10、【锡尔斯玛利亚】

片 中有一场戏，演员玛利亚和助理薇伦汀讨论好莱坞的商业大片，凭借《暮光之城》系列成名的克里斯汀·斯图尔特在和朱丽叶·比诺什谈爆米花电影的深刻和人性， 把爆米花往艺术上扯让她大笑，觉得荒诞。你难免会想到两位女演员现实生活中的演绎经历，她们以往的角色确实代表这两种情况，你看到的仿佛不只是戏。整部电 影都是这样的虚虚实实，一个过气的中年女演员，一边是琐碎缓慢的离婚程序，一边是自己的中年危机，无法接受自己人气不在，被后浪小鲜肉拍死在沙滩上的事 实。她内心的清高让她不愿意面对现实，但她自己很清楚现状，但她还是需要时间，但谁知道要是多长呢。

20多 年前她评价《马洛亚之蛇》成名，如今借着当年导演的意外去世，新版的改编被一位新锐导演提上日程，只是这一次她要演的不再是魅惑的少女，而是对少女动情的 老女人，这就像一个讽刺的轮回，戏里讽刺，戏外的生活中同样有类似的讽刺。玛利亚和助理应导演妻子的邀请来到瑞士小镇锡尔斯玛利亚。她们对戏剧的台词，一 起外出徒步登山，像很多欧洲文艺电影一样，主角们不停的话唠着。电影中的戏剧和电影本身，现实中的演员和剧中的演员，演员现实中的真实履历，与导演奥利维 耶·阿萨亚斯的关系等等，一切慢慢的成了一张大网，虚虚实实，真真假假，戏里戏外，导演真正想表达的东西，就像互为几重的镜像，变得有趣起来，让观众看到 的不再是电影本身。

对 于玛利亚的心理刻画和中年危机，被拍的细腻之余，还灵气十足。薇伦汀和玛利亚的关系很微妙，不仅仅是主顾关系，还是朋友，但玛利亚的清高和保护壳一旦被触 碰到，她就会立马披上主子的嘴脸，越发的孩子气起来。她和暮光女在片中有三次外出徒步，让看不见的戏剧冲突和暗藏的矛盾，三步到达无言的高潮。那段致敬阿 诺德·芬奇的黑白默片《马洛亚的云现象》的片段，山脊间像蛇一样流动的雾气就像玛利亚的心思，让你捉摸不透。

这 个故事里像个有趣的轮回，科洛·莫瑞兹饰演的好莱坞当红叛逆小鲜肉，也算是当年的玛利亚，这姑娘看上去虽然敢说敢做，时而乖乖女，时而野丫头，让人捉摸不 定。在年轻人薇伦汀眼里，这种敢作敢为的个性是年轻人的偶像，在有文化积淀的欧洲文艺女演员眼里，这一切变得很肤浅可笑，但最后玛利亚也只能在一段挣扎的 心理旅程之后，平静的接受属于自己的现实，后浪凶猛是自然规律，就像变老一样。这部电影让你看到不仅仅是一个女人的中年危机，一个女人的层次感十足的嬗变 心理，还是一点欧洲文艺电影在好莱坞商业爆米花大片之前的那份优越感，不管你怎么看，那份文人气息和优越感都在那里。

9、【男孩和世界】

这 部动画电影算是今年一个不小的惊喜，整部电影就是儿童的水笔画，有着天马行空的想象力，承载的却是一个男孩一辈子的厚重感，在一个虚构的世界里，我们同样 可以看到真实世界的影子。它有着欧洲文艺片那种浓浓的人文气质，导演在叙事风格上却显得有点极端，整部电影都没有实质性的对白，他在叙事上拒绝直接和观众 交流，只是让观众乘着想象力的翅膀跟着小男孩踏上寻找父亲的旅程，我们看到一路上各种神奇的见闻和经历，却在很长一段时间里看不清导演真正的意图，直到故 事结尾来临之时，你才会察觉到这个故事承载的那份厚重和沧桑，那段真实世界的资料片段甚至给人用力过猛的感觉，但环保和城乡的贫富差距正是这部电影的主 题，我们看到的美丽大自然被工业化和城市化吞没，看着孩子的童真和想象力随着成长消磨殆尽，尽管故事的结局不坏，却依旧让人觉得很痛。

这 个故事就像是在用童真碰撞现实的残酷，一开始小男孩无忧无虑在云端嬉戏，他没有像《绿野仙踪》里的桃丽丝一样被风卷进童话世界，反而是重重的跌进了现实。 他们一家人本来在农村过着田园牧歌的生活，但随着父亲的外出谋生，一切都被改变了，童年消失了。为了安慰伤心的母亲，小男孩踏上了前往大城市的寻父之旅， 寻找却让他却用了一辈子的时间。留守儿童的问题在发展中国家已经是一个大家很熟悉的话题，像巴西、墨西哥、菲律宾和中国等等。因为贫穷，让孩子损失了本该 美好的童年和亲情，这一代人长大之后会如何呢，相信探讨这个话题的电影也会越来越多。今年菲律宾导演拉夫·达兹的《历史的终结》的主题就是这个，最后给出 一个让人绝望的答案，好像李睿珺导演在《家在水草丰茂的地方》之后也会拍这个题材。

在 这部每一帧画面都透着童真气息的电影里，片中资本主义对发展中国家进行经济掠夺的段落都被处理的既含蓄又直接，这看上去很矛盾，它将情节设置的很夸张，变 形到你不会第一时间就往这方面思考，但当你意识到这部电影的主题时，你才会越过童真的掩饰和天马行空的想象力，看到画面背后这些情节的实质。这层外衣披的 太绝妙了，它就像裹着糖衣的炮弹，非常的致命，略微可惜的是，导演最后还是用现实世界的可怕画面直接捅破了这层窗户纸。小男孩这一路看到的世间的丑恶与温 情也开始让他累了，他才开始意识到童年的美好，自己这些年真正错失的那些美好的东西，当他再次回到故乡，可惜一切已经物是人非，现在连母亲也已经不在了。

最 后编剧将早早就埋下的一个伏笔，不，是男孩埋下的一个装了音符的瓶子拿来强力的催泪。匆匆一辈子，人们在不断的寻找那些失去的，殊不知另一些美好的东西也 在悄然流逝。这是部不足八十分钟，走着简约的路线，看上去短小精悍的动画片，但它绝不是一个简单的故事，从开始到结尾，仿佛会有一种恍如隔世的感觉，有一 份看透世间百态的淡然。

8、【盲视】

在 这个故事开始之前，女主角英格丽就已经盲了，失明的时间越久，想回忆起事物的细节就变得越困难。电影就以她的旁白开始，失去视力之前的生活就是她对这个世 界的全部认知，她以前是老师，丈夫是建筑师，他们的完美生活只差生一个孩子，现在她每天生活在高层公寓里，足不出户。视力的盲并没什么带来致命的麻烦，但 盲带来的不安全感却很快放大了她生活中危机感的根源。这部电影的剧作结构有点像斯派克·琼斯的《改编剧本》，英格丽靠自己的心智创造了一个世界，让人分不 清幻想和现实的界限，在不断的角色互换的心灵交替实验、英格丽的创作意识、精神发泄和自我探索之后，仿佛故事的虚与实已经不重要了，重要的是它将一个女人 的内心具象化了，危机和困扰，一切清晰可见。

这 是一部北欧气质的文艺片，导演在风格上选择重意识流而轻叙事，片子另一个让人印象深刻的地方就是它的意识流剪辑，就像被日本动画大师今敏导演附体。它靠相 似的情境、人物动势剪辑点和角色主观的意识流动来剪辑，有几场不仅灵气十足，还有效的在提醒观众接下来一切将是一场心理实验。比如片中单亲妈妈伊琳和英格 丽的丈夫莫腾第一次在餐厅约会，而伊琳却突然盲了，看上去像是一个“女人何苦为难女人”的斗小三故事，但聪明的剪辑让你开始察觉和思考这一切的虚实和真 假。这里的剪辑被赋予了人的意识，它就是女主角的思维流动，从她的心智入手，带你走进她的内心世界，她将盲前记忆中的一切通过想象进行二次创作，展示出她 心中危机感的来源。

如果你看过埃斯基尔·沃格特编剧的前作《奥斯陆，8月31日》和《重奏》，再看这部新片《盲视》，你会察觉沃格特学者气质的作者化和剧中的自我指涉，弱化情节，细腻的笔触总是想人的内部探索，人的心智、思维或者生命的意义，除了这些，还有更他具体的个人喜好，比如受普鲁斯特、莫里哀·布朗肖和挪威诗人Tor Ulven等人的影响。

7、【寻找隐世快乐】

有 些电影第一观感很棒，有很多让人印象深刻的地方，冷静下来仔细回味，其实也不过如此而已，《寻找隐世快乐》就是这类电影。一个动人的亲情故事，与众不同的 是，它的剧作在朝着人类的意识和思想挖掘，伴随着回忆和很多意识流的思绪。宗教上关于生命的轮回，人生的意义和寻找快乐的方式成了很重要的部分，剧本正是 借此将故事转入精神层面的深层次探讨。

电影的一开始说，人死后，灵魂也许会回到曾经的城市，伴随着一只暴风雨中的海鸥，我们来到一座陌生人的城市，这里就是死者牵挂的地方，我们开始认识那些他生前放不下的人。我 们看到男主角在一个多雨的城市里开着出租车，他形容邋遢，平时就住在车里，固执绝望的不愿意和家人交往。随着他不断的遇到不同的乘客，他的思想也跟着这些 当下的经历被带回到回忆里，那都是他一时绕不过去的心结。这种意识流色彩的叙事方式让我们逐渐走进男主角的内心，也让这个故事变得异常忧伤脆弱。

它 并不想平铺直叙的讲一个故事，它的叙事主线穿插着不同的人，忘记钱包把婚戒留给他的美丽女人，他的叔叔，变垃圾为宝的话唠乘客，还有那位像孩子一样叛逆的 老太太，他们每个人都像男主角跟自己的和解之路上的智者，让他以不同的角度和方式重新审视人生。除了这条叙事主线，片中还穿插着一个叫《寻找快乐的艺术》 的广播节目，男主持人大谈灵魂、生活、轮回和快乐的意义，这些话题表面上很容易说服听众，这也许也是哥哥会迷上佛教，选择去印度出家的一个原因。但这条线 的说服力止于男主角在车上遇到节目的主持人，也要这部电影想要探讨的东西来了一个反转，故事用宗教包装，这也是第一观感，但这恰恰却不是导演真正想说的主 题，这反而像是讽刺，所以也足以惊醒梦中人。

剧 作在形式感上的尝试，除了意识流的回忆，还用海鸥的飞翔和兄弟俩儿时的那辆玩具汽车串联起来，人生就像一场旅行，路难免会走到尽头，但峰回路转掉转头，又 是新的开始，新的征程。哥哥在片头就去世了，仿佛倒在了美丽的世界尽头，这只海鸥就像某种心电感应，也许世界上自己最亲爱的人去了，你真的能感应到那种情 绪，然后被莫名的忧伤笼罩，感觉会有不好的事情降临，所以男主角迟迟不肯打开那封哥哥的来信。剧作这两条充满象征隐喻的线很有趣，它们也让男主角觉醒的旅 程变得很完整，为剧本增添了形式感，也让故事带上一种难以言说的宿命感。

这 部充满人文气质的动画电影，除了画面够美，它的音乐同样很美，哥哥的职业是小提琴，弟弟是一位颇有天赋的钢琴家，音乐却没能让他们找到隐世快乐，反而让他 们走上了不同的人生道路。片中的音乐很好的营造了一个诗意忧伤的唯美氛围，让本就意识流的故事变得更加如梦似幻，它和好莱坞的那种商业动画完全不同，故事 的厚重感和灵性甚至可以轻松的秒杀真人电影。

6、【另一个故乡】

爱 德嘉•莱兹导演的《故乡》三部曲被称为现代德国的史诗，一部跨越20年30集时长53小时25分钟的电影，跟随莱茵兰的洪斯吕克附近一个叫沙巴赫的虚构村 庄里一户姓西蒙的家庭，故事从一战德国战败开始，一直讲到了新千禧年的到来。不管你有没有看过它，都不影响你观看这部新片。《另一个故事》里时光倒流 150年，回到了拿破仑战争之后，1848年革命之前，那段德国历史上最黑暗的时期，我们看到西蒙家祖先的遭遇和挣扎。食物短缺、疾病肆虐、凛冽寒冬还有 当时普鲁士封建官僚的制度剥削，人们为了活下去，把希望寄托到移民去巴西，背井离乡为了能够更好的生活。在那个年代，移民也似乎就意味着此生的别离，与故 乡和亲人的永别。

故事以铁匠西蒙一家展开，他们有三个孩子，大女儿莱娜因为嫁给了宗教信仰不同的丈夫，父亲和她断绝了往来。大儿子古斯塔 沃比较踏实安分，军队退役之后回家继承父母的生活，小儿子雅各布则生性浪漫，读了一些书，向往去看看外面的世界。他对吉普赛文化和土著方言感兴趣，梦想着 移民巴西。在残酷的现实面前，一切却事与愿违，这部黑白的电影就像迈克尔•哈内克的《白丝带》的对立面，它完全过滤掉了阶级革命、暴力根源和人性阴暗等问 题，将重点全都放在了那个时代的乡土人情上，就像陈忠实的小说《白鹿原》。片中的挖土豆、摘葡萄、耕种、收获、打铁、纺织、磨面等农民的日常劳动，当地的 婚礼、葬礼、舞蹈、歌曲和各类庆典等文化民俗，农村的建筑、服装、道具和演员的本地方言，几乎片中所有的一切都是那样的考究，就像一部关于乡土人情的史 诗。即使农民的田间耕种，也在向观众展现劳动那种原始的美感和磅礴的生命力，因为如今这些东西已经随着时代逝去，传统的一切在现代人的生活中都已经无处寻 觅了。这也为整部电影奠定了忧伤的基调，那种感觉就像你回想儿时记忆中如今已经不存在的家。

这部电影给人最直观的印象就是诗意，除了男主 角的浪漫主义情结和那些日记旁白，摄影是最大的功劳，镜头捕捉到了那股如乡村田园诗一般的风景和农民生活的质朴。但这并不是一部黑白电影，在这个故事中那 些最美丽的时刻，都出现了颜色，比如玛瑙、彗星、绿草、金币、绿裙子、绿铜壶、花环、马蹄铁、野花、红色樱桃和蓝色浆果等，那都是角色一生都值得铭记的时 刻，在他们眼中，仿佛万物生辉。

这虽然是一部接近四小时的电影，但剧本的叙事结构并不是拖沓冗长，反而它设计的非常精细，在叙事的铺垫和 伏笔上很精巧，到最后第三幕各种已经的铺垫好的细节和情节反转纷纷袭来，尽显编剧的深厚功力，各种忧伤的泪点袭来，会让人有想重看一遍的冲动。在老搭档摄 影师Gernot Roll的镜头里，一切都流逝的很缓慢，导演还加入一些意识流渲染氛围的空镜头，比如每当有人死去，镜头就在空间内进行360度的巡视，就像一个灵魂在环 顾四周。关于这种缓慢，导演说这是为了赋予生活一点永恒性，我们不能让感动我们的事情像旋转木马一样迅速的被好莱坞那套齿轮链条化的叙事模式掩盖。其实影 片在叙事手法上和好莱坞经典叙事的那套模式并没有区别，只是导演觉得叙事的艺术需要舒缓的节奏，让观众有耐心去凝视，去感知一切。

电影最 后的字幕，莱兹导演将这部电影献给了他的哥哥吉多。2008年哥哥去世，在整理哥哥遗物的时候，他发现哥哥这么多年都在学习南美洲的土语，而哥哥却一辈子 都没有离开过洪斯吕克。另一件让莱兹导演想拍这样一部电影的小插曲是，他曾收到一封来自巴西阿雷格里港的护士的来信，信中她说自己的老板和自己同姓，莱兹 后来调查发现那位巴西医生的家族和他出生在同一个地方，于是就有了这部电影。最近BBC也推出一部类似于德国的《故乡》的电视剧叫《百年乡情》，喜欢这类 乡愁故事的朋友可以关注一下。

5、【骄傲】

今 年看过最欢乐的一部电影，也是我年度十佳，当然，我的单子每年都会有同志电影，去年的是《虔诚的鳏夫》。同志平权活动家马克在电视机看到威尔士矿工的新 闻，他们由于争取本该属于自己的权利长时间罢工，在经济上捉襟见肘，而被社会孤立起来得不到帮助，他觉得这和同志群体的境遇很像，像是某种同病相怜，他决 定发动一个组织筹款去帮助这群矿工。在1980年代保守的英国社会，偏见、符号和标签依旧左右着大众，同志意味着道德堕落者，更有刚刚在大洋彼岸狂卷的艾滋病混淆人们的理智，“同志支持矿工”并没有得到什么人的待见，甚至是矿工工会也羞于接受同性恋群体的援助。

这 部电影的编剧很聪明，他绕开了事件本身大的社会背景下的苦难，而是将重点转向了个人，人与人之间的相处，直接绕过工会的同志群体来到矿工们身边，他们用真 诚的相处来逐渐的消除偏见和隔阂。无论是同志群体还是矿工群体，每个人都是这部电影的主角，编剧在刻画一个大时代下各种小人物的群像，每个人物都很完整鲜 活立体，有血有肉，情感的背后有着浓浓的人情味，这也是这部电影最动人且最具杀伤力的地方，它像一个巨大的情感黑洞，很容易将你吸进去。在人物刻画上，无 论是同志群体本身，还是矿工群体，编剧并没有符号的脸谱化的去给角色们贴标签，每个人物在这个过程都经历的自己的成长，在这个建立感情融合隔阂的过程中有 所改变。

在两个群体培养情感的过程中，电影也被拍的欢乐且妙趣横生，在调动情绪方式导演马修·沃楚斯做的很棒，特别是乔纳森在餐厅的那段迪斯科舞蹈，让周围空气里的火药味彻底的消散。还有老太太的逛gay吧 的场景，两个群体的人本该是两个世界，带着开眼界新奇的兴奋感背景是个人的友善和包容，那份真诚太打动人，那种理解和可以卸下一切的防备的无拘无束感很美 好，就像被拥入亲人的怀抱。在面对不公的境遇时，团结起来，去争取自己的权利，满满的都是正能量和活力。就像柜子里的小gay，在被父母发现之后，他毅然的离开了家，去过自己想要的那种生活，他在勇敢的去争取自己想要的。

在 事件的改编上，编剧也很懂得适可而止，保持自己的独立电影的气质，这也是他和好莱坞的《哈维·米克》之类的片子最大的区别。编剧聪明的绕开了事件本事，事 件的社会性，甚至事件的高潮，而把切入点选择了个体的情感，情感的建立过程，而不是事件的发展过程。这一点上在影片的第三幕更加明显，它并没有用矿工群体 对抗撒切尔政府的胜利当成感染力极强的故事高潮，而是一切看似跌入低谷之后，由情感和友谊维系的目标让他们始终站在同一条战线，彼此对目标的执着和念念不 忘。电影的最后，一场让人热血沸腾的同志大游行，同样是弱势群体，那一刻他们却骄傲的联起手来，互相帮助去完成各自的政治诉求。其实这次罢工活动并没有这 么多的欢乐，感兴趣可以找另一部电影《The Battle of Orgreave》来看看，关于1984年6月18日那个炎热夏日罢工旷工和镇压警察各约一万多人的冲突事件，就是欧格里夫之战（http://www.eventplan.co.uk/page79.html），其实现实里事件有着大家都很熟悉的那种流血冲突和残酷悲剧的一面，电影里一开始也提到了这个事件，但这部电影的改编不能说是大刀阔斧，只能说编剧选择了一个非常聪明且漂亮的叙事切入点。

4、【她】

斯派克·琼斯导演的《她》是一部在色彩上用力的片子，故事讲叙杰昆·菲尼克斯饰演的中年离婚男西奥多·汤伯利，孤独的他爱上了自己的电脑智能语音系统OS1，就好比一个男人爱上了自己iPhone手机里的siri。 这个故事发生在未来的洛杉矶，尽管故事构建在未来，但这不是一部科幻电影，片中没有会飞的汽车，色彩波澜的广告牌或者各种未来感的古怪服装。相反，它是倒 退的未来主义，片中的未来世界很复古，却又有完全不同的地方。整部电影的调色板以橙色、红色和黄色为主，而且摄影师彻底的剔除掉了蓝色。片中的服装质感以 毛绒为主，没有牛仔布料，没有领带，没有皮带，服装没有领子和翻领，即使外套有翻领，领口也会尽可能的窄小。男士们都穿着复古的高腰裤，裤腰高到让人觉得 滑稽，裤腿还是缩小的，像骑马装。在片中的世界里，你从头到尾看不到一辆汽车，片中的广告都是一幅幅慢动作的图片，配着解说，没有图片，没有文字，没有图 表。

橙 色是一种温暖的颜色，西奥多生活在一个舒适惬意的未来世界里，他从家里出门，乘坐地铁上下班，中间只需要走小一段路，电影有意给人交通便利，一切都很便利 的感觉，比如片中的智能手机就能全权负责你的日常工作，帮你收发读写邮件，做日常提醒，根据你的心情为你选择伤感度不同的歌曲。当人们开始对机器过于依 赖，人与人之间正常的沟通技能就会逐渐丧失，人们在情感上变得更加孤独，就像西奥多。尽管他的工作就是替别人写美丽手写体书信，表达各种亲密的情感，但他 是在给别人代笔，即使是表达爱意这种私人的事情。西奥多应该是一个善于表达的人，一个心思细腻情感丰富的人，但他也和青梅竹马的前妻凯瑟琳正在办理离婚。 在他遇到OS1语音系统萨曼莎之前，他的世界是苍白的，忧伤的，他的日常活动就是上班帮别人写信，下班回家打电动游戏，他的房间的主色调这时候是蓝绿色，蓝色几乎被过滤掉了，只是被用来调和绿色的不祥之感，整个场景的色调给人感觉就是忧郁无力。

在 西奥多遇到萨曼莎之后，他的服装色彩几乎都是橙色，潜意识上让人联想到温暖和浪漫的颜色，在他们陷入炙热爱恋时，西奥多的上衣也会换上红色，是浪漫程度在 橙色基础上的升级。就连在他回忆前妻时，画面的色彩也依旧很明亮，不过是透着一股过度曝光的惨白，西奥多的衣服也变成了有点做旧感的灰白和浅粉，像是褪了 色的爱意，但粉色象征的浪漫依然残存。故事的最后，在西奥多得知萨曼莎同时和几千人聊天，正和几百人恋爱之后，他的上衣变成了黄色，这是一种矛盾色。在这 个感情最终结束之后，这个角色完全了人物的心灵成长，他给前妻发邮件说，“因为有你，我才会是现在的我。我希望你知道，你讲永远是我人生的一部分，对此我 很感激”，这时候他的上衣变成了平静的白色。

服 装的色彩在这部电影里是最抢眼的，它甚至和演员的表演一样抢眼，在某种意义上来说，它们同样重要，在功能性上相得益彰。西奥多服装颜色的变化是精心设计 的，它无时无刻的不在引导观众，除了潜意识上的心理暗示，也有效的划分出整个故事的层次感。影片的主色调营造出一种非常小清新的感觉，奠定了片子的氛围基 调，取景上海的摩天大楼、天桥地铁营造出未来都市的空间感，这也是《她》令人印象深刻的地方。这个故事要探讨不是人机恋爱在道德伦理层面上的东西，而是将 这种心灵契合的情感变成一场纯粹的精神恋爱，探讨恋爱中所谓的灵魂伴侣和肉体关系。在西奥多和萨曼莎的恋爱关系中，他们也有热恋有低潮有各自的烦恼，肉体 不是最困扰他们的，重点是他们在这场爱情中学到了什么，以及他们的成长。他们真正爱过，精神恋爱可以超越时间，因为他们见证过彼此的心灵与成长。

3、【少年时代】

当时看完这部电影的第一反应是，我突然想到大学第一年的寒假，只隔了半年时间回到家，就觉得从来没有那么清晰的看过父母的脸。以前每天生活在一起，你察觉不到他们的变化，后来在外求学工作，偶尔回家一次都会清楚的看到父母一次比一次衰老。

这也许就是时间，像这部电影一样，花12年的时间去拍摄一个普通的美国男孩，在3个 小时的时间里看着他从一个孩子成长为一个瘦削的青年，看着他的生活，让人清楚的看到了时间的痕迹，就像长辈们偶尔会对我们说的那句“我是看着你长大的”， 难免会意味深长。理查德·林特莱特这部新片依旧没有传统叙事那套起承转合的结构，也没有实质性的戏剧冲突，整部电影真正的主角应该是时间，时间神奇的让我 们从各种痕迹里看到人生的悲喜离合，也联想到自己这些年的人生轨迹，一切非常奇妙。

2、【皮囊之下】

在 看片之前就听了Mica Levi 的这张原声碟，片中再加上超现实主义的影像，就像前卫实验艺术，更是异常诡异。片子本身有点分裂，诡异之外是一种随意，精心设计过的剧作结构，细化到具体 的情节又显得漫不经心，主题也处理的很含蓄，总之你看到什么就是什么，言语之外，一切都是多余。

1、【布达佩斯大饭店】

韦 斯·安德森的《布达佩斯大饭店》虽然是一部色彩大爆炸的片子，让人感觉掉进了糖果盒子，但它的服装用色并不是重点，主创们努力的地方在于道具和场景。在 《了不起的狐狸老爸》和《月升王国》之后，安德森导演的作者化风格变得越来越明显，到了这部新作，可以说已经到达了个人风格的极致，它不仅仅是一部电影， 它也是游戏，是童话，还是一件艺术品，将美学、形式感和怀旧的主题完美的融合，无论从故事、剧作、主题和美学上讲，它的辨识度都只属于自己，这是一部杰 作。

这 个故事本来只是韦斯·安德森和朋友雨果·吉尼斯合写的一个短篇，受自己的一位老友启发。后来当安德森读了奥地利作家斯蒂芬·茨威格的小说之后，他想拍一个 和茨威格有关的作品，本来他们只有雷夫·费因斯饰演男主角这个决定，后来又想到一个大饭店门房的职业，他们都觉得主意很棒。《心灵的灼伤（Beware of Pity）》是安德森读的第一本茨威格的小说，他被这位作者惯用的叙事模式吸引，一个从某地来的人到了某个地方，遇到了某个人，然后听到了某个故事。茨威格总是一再的使用这种叙事模式，它有着一个很强的戏剧悬念。后来安德森又读了茨威格的其它作品，包括他的自传《昨日的世界（The World of Yesterday）》，讲叙1914年 之前的维也纳和这之前的欧洲，然后突然间一切都变了，先是民族主义，再是法西斯主义和社会主义，作者迷恋的世界似乎霎时间就不复存在了，这本书就像他对逝 去的美好世界的怀念。安德森觉得这可以是故事的背景，对于逝去世界的怀念，于是就有了这部电影，《布达佩斯大饭店》的故事本身倒是和茨威格并没有多少关 联。

片 中的故事发生在欧洲的朱波罗卡共和国，这虽然是一个虚构的世界，但又和同时代的欧洲历史有着真实的联系，比如纳粹法西斯横行和社会主义东欧野兽派风格的建 筑。这正是影片主创们发力的地方，他们在前期项目拓展阶段就跑去欧洲选景，来到德国最东边的小镇格尔利茨，位于波兰的边境上，这里的建筑还完好的保留着十 四世纪中期的文艺复兴风格。后来他们又去萨克森、东德、布拉格和捷克斯洛伐克的西部城市卡罗维发利，那里的建筑风格又是十九世纪末欧洲的新艺术派，两种风 格基本上就是片中的战前和战后，风格上有着鲜明的对比，战前摄影主色调的金碧辉煌，战后主色调的苍白陈旧，片中的时代变迁之后正是这两种建筑风格。

我 们看到的粉色蜡笔画般的布达佩斯大饭店其实是后期电影合成的，现实的拍摄上，剧组只是在格尔利茨找了一个环境合适背后靠山的酒店，重点在于打造酒店的内 部，如何翻新出导演想要的风格。在安德森的电影里，这种复古的方法常常是做加法，而不是像《她》那样的减法。安德森的电影里，他向来在意墙纸、服装、道具 和空间感等元素，讲究复古和手工的质感，而他的灵感可能来源于任何地方，一部喜欢的老电影、一幅画作、一张唱片或者一本书。例如片中的电梯和走廊，设计灵 感就来自英格玛·博格曼1963年的电影《沉默》，片中基本上就是原样复制。遗产律师被威廉·达福饰演的杀手追逐，他出了办公室就乘车来到了艺术馆，此处的情节编排灵感又来自惊悚大师阿尔弗雷德·希区柯克1966年 的《冲破铁幕》。片中有一幕威廉·达福将一只猫咪扔出窗户，这个桥段的灵感又来自布莱克·斯奈德的编剧书《救猫咪：电影编剧宝典》，这样做可以让观众瞬间 开始憎恨并讨厌这个人物。韦斯·安德森总是很清楚自己喜欢什么，就好比片中出现的那些画作，引发麻烦的无价之宝《手持苹果的少年》，艺术馆大厅里的卢梭画 作，再比如酒店大堂背景中那副站在岩石上的雄鹿，风格明显有德国抑郁的浪漫主义画家卡斯帕·费里德里希的风格。

辉 煌的时代感和唯美的浪漫主义系色彩也是整部电影中色彩选用的参照标准，各种美丽的糖果色都被艺术指导用了一遍，就好比片中那一系列的十字架钥匙连锁大饭 店，每一所大饭店的颜色都是偏向于中间色的纯色，其实它们并没有什么特殊的意义，但是都有一个固定的选择标准。影片主色调的调色板是金色，古斯塔夫先生的 故事里有金碧辉煌的意思，大饭店那个气势如虹的美好时代。随着战争的爆发，古斯塔夫先生因为遭陷害入狱，影片的主色调也变得了苍白的蓝色，潜意识上给人一 种冰冷和无力感。这在色彩的选用上其实有点保守，就像片中的服装色彩选用一样，大饭店的戏份里，古斯塔夫和男孩零基本上都是紫色的工作服，爱德华·诺顿的 衣服也是让人联想到纳粹的军装，杀手威廉·达福就是冷酷的黑色皮革，艾德里安·布罗迪等贵族都是质感厚重的黑色礼服、皮草或者西装，这样的选择非常的符合 人物的身份定位和时代的质感，但也只是贴合剧情和人物，它真正的优点在于趣味性。比如诺顿的制服并不是纳粹，但枪套、肩章、背带和帽子却是德式的，但领口 却绣了一只狐狸的脑袋，明显是因为前作《了不起的狐狸老爸》；边境警察确实是纳粹党卫军的装备，但徽章却是II和ZZ；古斯塔夫先生的囚服明显的让人想到纳粹死亡集中营，但一切又被处理的很含糊，不过服装设计和艺术指导也正是通过这样的方式，让片中的虚构世界和现实世界产生关联，一切并不那么的真实，却又很直白明了，而且风格上还保持了韦斯·安德森一贯的作者化风格和幽默感。

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